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リスニングルームによせられたコメント
リスニングルームによせられたコメントをまとめたコーナーです。多くの方の熱いコメントを期待しています。（2008年3月10日記）前のページ/次のページ
バッハ：管弦楽組曲第2番 ロ短調 BWV1067::リヒター指揮 ミュンヘン・バッハ管弦楽団 オーレル・ニコレ（Fl） 1960年6月録音
- 2021-09-12：笑枝
- LP 、最初に購入したのがこのリヒター盤でした。高校三年のとき。
リズムの切れがよくて、今でも好きな演奏です。
ニコレのフルート、何度聴いても素晴らしい。
サラバンド以下、盤擦りきれるくらい繰り返し繰り返し聴きました。
とくにメヌエットは、三回くらい聴かないと満足できないので、
カセットに三回繰り返しのバージョンを録音して楽しんだものです。
バッハって、ダカーポしてもダカーポしても、飽きない?
シェーンベルク：ピアノ組曲 Op.25::(P)チャールズ・ローゼン 1960年12月28日~30日録音
- 2021-09-11：りんごちゃん
- 二十世紀の音楽家が直面した最大の問題が調性の崩壊であるということは、いうまでもないでしょう
わたしは音楽史家ではありませんし、それ以前に専門家でもありませんので、もちろん正確なお話はできませんし、またここはそのような場ではないでしょう
わたしは単に、この時代の音楽の抱える問題に真剣に対峙した音楽家たちの出した回答をちょっと見てみようという気まぐれを起こしただけのことなのです
十二音技法というものが一体どういうものなのか、わたしは正確にはよく知りません
それがどのようなものであれ、中心音の存在あるいは特定の調性による支配を感じさせないようオクターブに存在する12の音の立場を完全に均等にするために編み出された技術であることは間違いないでしょう
仮に存在するすべての音を完全に均等に使用しそれを均一化した場合、どのようなものが生まれるのでしょう
例えば生クリームを撹拌いたしますとホイップクリームになります
ホイップクリームというものは、本来混ざらない乳脂肪と水分及び空気が均一に混ぜ合わされたものです
これをスポンジに塗り積み重ねて上にいちごでも乗せればケーキになります
ケーキというものは、材料を秩序立てて組み合わせることで作り上げられた一つの調和です
それに対し、クリーム自体はその材料を均一に混ぜ合わせただけであり、それは混沌なのです
ケーキをミキサーにかけてぐちゃぐちゃにしてしまえばそれが混沌であるということは誰でもわかりますが、ミキサーにかけるということは結局、クリームを撹拌するのと同じことをしたわけですよね
秩序というものは本来不均一なものなのでして、それは選び出され調和するよう組み合わされたものなのです
12の音が均等に混ぜ合わさりその立場に差がないように聞こえるのですから、十二音技法というものが作り出すものは秩序ではなく混沌、正確に言えば混沌であるかのように錯覚できるような作りものの混沌なのです
サイコロを振りますと出目は必ず偏りますが、回数を重ねるごとにそれは均等になってゆくように見えます
混沌というものは本来そういうものなのでして、その部分に着目するとそれは必ず偏っているのです
部分に着目したときでも均質であるかのように感じさせるのが技術というものなのでして、わたしたちはその錯覚をきいているのです
シェーンベルクのピアノ組曲などを聞きますと、音高をもった音はとりあえずその全てが均等な立場を取り、どれが中心であるというものはないように聞こえます
この音楽では音高というもの自体に意味がないはずなのですから、これを音高が感じられないもの例えば和太鼓ですとか金槌のカンカン音で演奏しても、ある意味似たようなものが得られることでしょう
和太鼓や金槌では、これが作られた混沌を装っているところが抜け落ちてしまいますけどね
ここにあるのはリズムや強弱や音色といったものだけなのでして、それは当然均等ではありません
それを完全に均等にいたしますと、エンジン音のようなどががががといった音になることでしょうが、ここまでまいりますともはや音楽ではなくなることは間違いありません
音符を機械的に入力しただけの打ち込みデータの演奏が音楽的に聞こえないのも、もちろんそれが均等すぎるからなのです
すべてを均等にするという技術は見かけ上の混沌を生むだけであり、それをすべてに貫徹した場合それは音楽ではなくなるということの説明は、これだけで十分でしょう
シェーンベルクの音楽は音高という観点では混沌を装ったものとなっているのですが、音楽全体では別のものによって秩序付けられているのでして、そこにのみ音楽が存在しているのです
この音楽は十二音技法を中核として作られているのに、その中核そのものは極めて非音楽的な営みであり、その周辺だけがそれを音楽として支えているという倒錯的な存在なのです
このくらいのことは考えるまでもないとわたしは思うのですが、人間というものはやってみないとわからないところが実際のところとても大きいのでしょうね
この文章にいたしましても、この演奏を実際に聞いてみなければ書くことは出来ないのですから
シェーンベルクの音楽は音楽とそうでないものとの不思議な混合体なのでして、そのあり方は1812年などとはまるで正反対なのですが、している事自体はある意味大差ないのです
生クリームがケーキの材料になれるのですから、十二音技法が音楽の材料になっても構わないのかもしれませんけどね
それが美味しければの話ですが
それはもちろん大砲にだって言えることなのです
アルベニス:イベリア、12の新しい印象 第2集::(P)アリシア・デ・ラローチャ:1962年初出
- 2021-09-09：たかりょう
- 素敵な演奏をありがとうございます。
(今日はワイヤレスイヤホンで聴いていたので)
むつかしいことはわかりませんが、のびやかに、豊かで慈しむような心のこもった感じ。
聴いていると私も豊かさに包まれるような心地よさを感じます。
たいしたコメントでなくて申し訳ないですが、至福のひとときをありがとうございました。
テレマン:オーボエ協奏曲 ホ短調 TWV 51:e1::クルト・レーデル指揮:ミュンヘン・プロ・アルテ室内管弦楽団 1962年録音
- 2021-09-06：MF
- ＣＤ時代まで現役だったこともあり、我が家にはレーデルの録音はかなりあります。穏当な芸風なので個性が重視された巨匠時代には耳目を集めにくかったのかもしれませんが、むしろクラシックの世界はそういう人たちが土壌を富ませてきたのであって、今となって考えればいわゆる巨匠たちはその上に狂い咲いた仇花だったのかもしれないとも、彼がいくつか残してくれた国内レーベルとのデジタル録音を聴きつつ思うこともあります。
ディーリアス:川辺の夏の夜::トマス・ビーチャム指揮:ロイヤル・フィルハーモニー管弦楽団 1956年10月31日録音
- 2021-09-06：アドラー
- 「ディーリアス」って、名前を聞いたことがあるくらいで、曲を聞いたことはありませんでしたが、いいですねえ。ドビュッシーのオーケストラの曲なんかよりも好きです。こちらの方が濃い色の音で、長く聞いたら疲れそうだけど、6,7分という短さが粋ですね。レコード（CD）ジャケットの深い緑も、いいですね。べた褒めですが、気に入りました。この作曲家、あんまり有名ではないですよね。何でかな？ こんなにいいのに。
ビーチャムはスコアに手を入れていたんですね。それはあかん。セルもバルトークのあの有名なオーケストラのための協奏曲に勝手に書き換えていた、とユングさんが紹介してくださってますね。あれもあかん。まあ、それが芸術の世界の出来事だ、というのなら仕方ないですけど、この演奏は手を入れてないんですね？よかった。
ハイドン：交響曲第104番ニ長調「ロンドン」::オットー・クレンペラー指揮 ニュー・フィルハーモニア管弦楽団 1964年10月録音
- 2021-09-05：りんごちゃん
- フルトヴェングラーの94番のお話は、実は3週ほど前に書いたものなのですが、投稿しようか少々迷っていました
神様に駄目だしするような滅茶苦茶な文章というものは、娯楽読み物としては面白いところもあるかもしれませんが、否定的論調だけで終わってしまうのが少々気に入らなかったのです
なんと申しましても、音楽は楽しむために聞くのですから
そういったわけで、ハイドンの魅力がどこにあるのか探してみようと思い色々聞いてみたのですが、聞き比べにつきましてはいくつもできるわけではありませんから、ザロモンセットの中でも録音が比較的多く肌に合いそうな104番を選びまして一通り聞いてみました
すべてを取り上げるのも無意味ですので、この中では特徴的なマルケヴィチ・カラヤン・クレンペラーにだけ注目することにいたします
マルケヴィチの演奏は、サンサーンスのオルガン付きではパレーに当たるような演奏でして、比較的残響が少なくオーケストラの隅々までよく聞き取れる演奏です
ただ、この二つが似ているのはその点だけともいえそうです
パレーは隅々までよく聞き取れる演奏で調和のとれた整った響きを作り出していましたが、マルケヴィチの響きはその正反対と言っても良いでしょう
トスカニーニの演奏によく見られるような、暴力的なタッチによるギスギスした音をあえて響かせることによって、ハイドンのベートーヴェンなところを尖らせるとともに、それが単なる力の奔流でなく荒れ狂う力の奔流であるかのように感じさせようとしているかのようです
この点に置きましては、この3つの演奏の中で彼がトスカニーニやフルトヴェングラーらの演奏に一番近い存在なのかもしれません
この演奏が借り物の衣装をただ着せているようにあまり感じられないのは、多分、楽譜に書かれた演奏効果を丹念に掘り起こしては、隅々までよく聞き取れる演奏によって聞き手の耳にきっちり届けているからなのではないかという気がいたします
カラヤンの演奏はこの正反対に位置するような演奏です
マルケヴィチは楽譜に書かれたものを隅々まで見てもらうことを重視しているため、音楽の論理的な切れ目がはっきりと聞き取れます
カラヤンはそれをあえて曖昧にすることで、全体の流れにどっぷりと浸ってもらうことを狙っているかのようです
彼の演奏は、極端に申しますとディーリアスの音楽のような句読点の感じられない演奏なのでして、そのような演奏をしている意図はもちろん、細部だとか論理的なつながりなどといったものへの注目を潰すことなのです
わたしの文章は書かれた瞬間には句読点は一つも入っておりませんで、この句読点はすべて後付けなのですが、彼の演奏はいってみればこの文章と全く逆のことをしているようなものですね
人間の頭の中ではこういった文章であろうと音楽であろうと本当は句読点などないのですが、それを人に伝えるのに句読点というものが必要なのでして、句読点を付ける外すというのはそれをどの段階で見せようとするかという意味を持つのです
カラヤンはそのような演奏をしてはおりますが、聞こうと思えば各パートが何をやっているかも聞き取れないわけではありませんし、ディーリアスのような茫漠とした音楽になっているというわけではありません
彼は楽譜に書かれた演奏効果を拾わないのではなく、それをただの背景のように聞かせようとしているだけなのでして、ストコフスキー同様官能的な聞き方をしてもらうための作業を理知的に行っているのです
ただこの時期の彼は、その方向に自分を極度に尖らせるというにはまだ至っていないのでしょう
彼の演奏は、聞き手がなにかに注目したり何かを考えたりすることなくただ音楽の流れに浸って聞いてもらう方向を向いているというだけでして、それ以外を意図的に切り捨てているというわけではないようです
そのある意味中庸なバランスが、この時期のカラヤンがその美質を自然な形で発揮しているように感じさせるのでしょう
わたしはこの三者の中ではクレンペラーが一番好ましく感じたのですが、この演奏がどういうものであるかと聞かれたときちょっと答えるのがむずかしいように感じました
こういうときに一番有効なのはよく知っている曲の演奏を聞くことですので、わたしはモーツァルトの40番41番とベートーヴェンの5番7番を落として聞いてみることにいたしました
これらの演奏につきましてはいずれ書くこともあるかもしれませんが、ここでは省略いたします
わたしが感じるのは第一に大変バランスがよいというところです
バランスがよいという言葉に不足があるなら、重心の安定感を感じると言い換えてもよいかもしれません
それからよく言われることかもしれませんが、音楽の構築性を強く感じさせるような演奏です
そういったものはいわばただの印象なのですが、外形的に他と比較して明確な特徴は、テンポが比較的遅めであるところと、一定のテンポを頑なに維持しているところでしょう
ベートーヴェンの7番の終楽章につきまして管理人さんが書かれておりますので、それをお読みいただけばよいかと思います
わたしがまず連想したのは日本舞踊です
歌舞伎の動きというものは基本的に極めてゆっくりとしたものなのですが、もちろんこれは全身で表現された表情を堪能してもらうためにそうしているのです
歌舞伎では意図的あるいは過剰な表情付けというものをいたしませんが、そのようなものは舞踊自体から滲み出てくる自然な表情の美しさを妨げてしまうからでしょう
ダンスでも、テンポが早いものほどその動きのダイナミックさの方に注目が行き、その瞬間の立ち姿ですとか個々の部分あるいは全身での表情といったものへの注目はそらされてしまいます
テンポがゆっくりとしたものになると、その注目点が動きのダイナミックさからその表情へと移ってゆくのです
全く同じ動画を速い速度と遅い速度で再生してみれば、やはりそういったことが感じられるでしょう
クレンペラーはゆっくりとしたテンポを選択することによって、おそらくそういった現象を引き起こすことを意図しているのです
舞踊でも、動きがゆっくりとするほどその重心がしっかりと安定していなければ倒れてしまいますので、当然踊り手は常にその重心の安定を維持しつつ踊り続けるわけでして、それを実現するために必要な姿勢の良さは立ち姿の美しさをもたらします
音楽でも同じことなのでして、ゆっくりとした演奏をするためにはその全体の重心を常に保ち良い姿勢を常に保った演奏をする必要があるのです
クレンペラーはその立ち姿の美しさと自然ににじみ出てくる表情の魅力を見てもらうことをおそらく意図しているのでして、その演奏の重心のどっしりとした安定感ですとか構築性といったものは、そういったものを見せられることで自然に感じられてくるいわば副産物のようなものなのでしょう
彼の演奏を聞いておりますと、これといって何かを尖らせようとしてはおりません
そこがマルケヴィチやカラヤンと大きく異るところかもしれません
マルケヴィチやカラヤンは何かを捨てることでその引き換えに尖らせた魅力を得るという戦略をとっているのでして、これは大家と言われる人の多くがとっている手法でしょう
一方、何かを尖らせようなどといたしますとそのバランスが崩れるのは目に見えているのでして、マルケヴィチのハイドンが暴力的なベートーヴェンのように聞こえたりカラヤンがディーリアスやらストコフスキーに一脈通じるように聞こえるのはその結果なのです
クレンペラーは、響きのバランスや雰囲気に引きずられることのない頑ななテンポを維持することで、その美しい立ち姿をただ見てもらうことに専念しているかのようです
感情の起伏を文脈に沿って再現するのが普通の演奏であり、作った表情を強調して見せることでそこに注目をあえて集めるのが尖った演奏であることはいうまでもありません
クレンペラーは歌舞伎の所作と同じように、それを意図的に避けているかのようです
クレンペラーが捨てているのはその動きのダイナミックさであり、物語のあるいは感情の起伏なのです
ベートーヴェンでは圧倒的な生命力の奔流のようなものがその大きな聞き所ですので、盛り上がりたいところであえてその流れに逆らいテンポや響きを維持するという方向性に疑問を感じる人もいるかも知れません
モーツァルトでは美しい立ち姿を見せるのはただのスタートラインに過ぎませんので、やはり不足を感じる人が多かろうと思います
これがハイドンでは、ベートーヴェンのような唯一無二の尖った特徴などというものが響き自体に存在しているわけではありませんし、モーツァルトのような種類の魅力がそこかしこから溢れ出てくるというような音楽でもありませんので、クレンペラーのスタイルが過不足なく感じられその美点だけが際立って見えるのかもしれません
こういった一見分析のようにも見える遊びでしたらわたしにもできないわけではないのです
こういった楽しみ方ももちろん音楽の楽しみ方のひとつなのでしょう
ただハイドンの場合、こういったことをいたしましてもまるで無意味なような気がしてならないのです
わたしはこの3つを含めたどの演奏を聞きましても、ハイドンが一体何を聞かせたかったのかまるでわからなかったのです
ハイドンの本当の魅力を伝えてくれないものをあれこれ分析してみたところでなんの意味もないですよね
わたしはそういったものを求めて音楽を聞くわけではないのですから
今のわたしにわかるハイドンはどうやら小オルガンミサだけということになりそうです
ベートーベン：ピアノ･ソナタ第25番 ト長調 Op.79::(P)フリードリヒ・グルダ 1953年11月13日録音
- 2021-09-04：アドラー
- 懐かしい曲！
昔ピアノを習っていた時に弾いていました。この演奏、第2楽章は特にいいですね。アップしてあるバックハウスも聞いてみたけど、全楽章通して、何かせかせかしていて、グルダの方がずっといいです。
ただ、第3楽章は若干グルダもせかせかしている感じがします。アップしてあるのに聞いたことのなかったブレンデルの同曲の演奏を聴くと、ブレンデルのほうはせかせか感がなく、一つ一つのフレーズにもっとたくさんの音楽を含んでいる感じがして全体には豊かだと思いました。
その上で再度グルダを聴くと、グルダは全体に新鮮さが前面にあって、（そんなことはないんでしょうけど）この第２楽章をこの曲全体の中心に置いた演奏のようにも聞こえました。
第3楽章がせかせか聞こえるのは、第2楽章を中心に置くために敢えて、さらっと風が吹いたように演奏したのかな、とも思ったりしました。
アルベニス:イベリア、12の新しい印象 第1集::(P)アリシア・デ・ラローチャ:1962年初出
- 2021-09-04：yk
- アルベニスはグラナドスに比べても更に”スペイン色”の濃いピアノ音楽を書いた人ですが、その音楽はスペインと言う風土に根ざす地方色を感じさせるのと同時に、スペインが負ってきた複雑で長い歴史的時間を通して流れる単なるエキゾチシズムに留まることの無い人間の陰と陽を感じさせてくれる音楽として私はとても好きです。中でも「イベリア」は一種のサロン音楽としての性格もありますが、その点で”サロン”と言う狭い枠を超えた魅力にあふれた作品だと思います。
ラローチャはイベリアを3（4？）回録音していて、演奏姿勢はどれも基本的に大きな変化はないように思いますが、歳と共に”イベリア”の映し出すスペインの陽から陰への微妙な視点の変化が見られるように思います。
ハイドン:交響曲第94番 ト長調 Hob.I:94 「驚愕」::フルトヴェングラｰ指揮 ウィーン・フィルハーモニー管弦楽団 1950年9月5日録音
- 2021-09-04：りんごちゃん
- 正直に申し上げますと、わたしはモーツァルト以外はわからないといってもよいでしょう
それ以外のよくわからない作曲家たちの中でも一番わからない作曲家の筆頭は、実はハイドンなのです
わからないということの中身を一言で申しますと、「この人はここで一体何を聞かせたいのか」がさっぱり見えてこないということなのです
名曲と呼ばれるような曲を聞きますと、その多くは初めて聞いたときにもその独自の魅力のようなものが「勝手に」聞こえてまいりますし、繰り返し聞けばそれに何かが付け加わることもありますが、そこで作曲家が何を聞かせたいのか皆目見当がつかないといったことはあまりないでしょう
ところがハイドンの場合、何度繰り返し聞きましても何が聞かせたくてこの曲を作ったのかがさっぱり見えてこないほうが普通なのでして、彼はその点につきましては音楽史上屈指の存在なのではないかと思わないではいられません
少々極端な例えをいたしますと、ハイドンの作品は無味無臭な料理といってもよいようなものなのでして、たいへん美味しそうに見えるのに食べてみるとなんの味もしないのであれっと思い、自分の舌がおかしくなったのではないかと錯覚するようなところがあります
他の多くの作曲家の作品は、わたしにとっては外国のあるいは各地の郷土料理のようなものでして、食べたことはなかったけれども案外口にあったり合わなかったりといったところを楽しむことはできます
ハイドンの場合その味自体が感じられないので、口にあう合わない以前の話になってしまいがちなのですが、もちろんハイドンそのものが本当に無味無臭でしかない音楽だったとしたら、その名が歴史に残ることはおそらくなかったことでしょう
おそらく彼の音楽は非常に淡白かつ繊細な味が本当はするはずなのでして、その本当の味を引き出してくれる演奏に接しない限り、わたしは彼を知らないままでいるほかないのです
間違っても香辛料をたっぷり利かせたり、こってりとしたソースの味で食べさせるような料理をしてしまうようでは、全てが台無しになってしまうのは考えるまでもないのです
少々乱暴な言い方をいたしますと、フルトヴェングラーの演奏はトスカニーニのサン＝サーンスのオルガン付きの演奏と同じなのですが、どこが同じかと申しますと、大変立派な借り物の衣装を着せて、その衣装の彫琢の水準の驚くべき高さをその聞かせどころとしているところなのです
管理人さんは「ハイドンのベートーベン化」と仰っておりますが、わたしもそれに異論はございません
どうもこの時代はどんな音楽も「ベートーヴェンのように」演奏するのが立派な音楽だと認識されているところがあるように感じられるのですが、トスカニーニにしてもフルトヴェングラーにしても、なんでもかんでも「ベートーヴェンのように」演奏しているように聞こえます
この時代がそれを求めるようなところがおそらくあったのでしょうし、その彫琢をここまで驚くべき水準で成し遂げた彼らがこの時代の大家となったのは、この時代ならではの現象ではあるのでしょう
この借り物の衣装は「ベートーヴェンのように」聞こえるのは間違いないのですが、実際のところベートーヴェンに対してもこれは借り物の衣装ではあるのでしょう
ベートーヴェンの場合、この借り物の衣装自体がベートーヴェンを演奏するために仕立てられ彫琢されたものであるために親和性が高く、またそれが「ベートーヴェンのように」聞こえたりするのでしょうね
ハイドンのような「無味無臭な」音楽でも、このような借り物の衣装を着せればその衣装の見事さという聞き所が生まれますので、一見立派な音楽であるかのように見えてしまいます
ただわたしは、どうもこのようなやり方には疑問が感じられてならないのです
借り物の衣装を着せるというのは、演奏家の個性という味を楽しむという意味では一つのあり方ではあるのですが、ハイドンを聞かせるという観点から申しますと本末転倒なのです
無論、ハイドンとベートーヴェンは重なるところがおそらくその見た目以上にあるようですので、その意味での親和性はそれなりに高いのでしょう
少なくともトスカニーニのサン＝サーンスよりはよほど自然です
そうは申しましても、結局の所ベートーヴェンが聞きたければベートーヴェンを聞くのがよいに決まっているのでして、ハイドンの中にベートーヴェンを聞くなどというのははじめから間違っているのです
ハイドンの音楽に対して、ベートーヴェンのように聞こえるから素晴らしいなどというのは失礼にも程があるのでして、ハイドン本人も僕は大した作曲家じゃないがそこまで落ちぶれてはいないよと言うことでしょう
ベートーヴェンのように聞こえるのはベートーヴェン一人で十分なのは言うまでもないのでして、この衣装はベートーヴェンにだけ着てもらえばそれでよいのです
この衣装をモーツァルトに着せるとほとんどの場合絶望的に似合わないのですが、その珍妙さを見れば、借り物の衣装を着せるということがそもそもいかに愚かなことであるかがよくわかるでしょう
そのようなものは、それを着た人自身の本来持つ魅力が引き立ってはじめて意味があるのです
世の中には、楽譜に書かれた演奏効果それ自体を目的とするタイプの効果音といってもよい音楽と、それだけではどうにもならないタイプの音楽とが存在します
ハイドンの音楽は間違いなく後者でしょう
この曲の第2楽章の主題を2回繰り返した後の例のffにいたしましても、観客のまごまごした顔を見てにこにこしているハイドンの姿が目に浮かぶようでなくてはならないのでして、一見ただの効果音として用意されてはおりますが、ただの効果音として演奏されたのではそれを聞く価値は全くないといってもよいのです
少なくとも彼がこのff自体を聞かせたいと思ってここにおいたはずはありませんから
この生真面目な主題にいたしましても、ただ生真面目に演奏してしまったのではつまらないのでして、そこになんとも言えないおかしみが感じられるように演奏するのがよいのです
彼が変奏曲という形式をこの楽章で選択したのは、もちろんこの主題が楽章全体を通して愚直に繰り返されることを目的としているわけでして、演奏者はその「意図された退屈」といってもいい繰り返しを魅力的なものとして聞かせる必要があるのです
もちろんこういったことはこの楽章だけに限る話ではないでしょう
彼の音楽では、その出された音の演奏効果自体にその魅力の中心はないのでして、その奥に隠された彼自身を聞き手の前に引っぱり出す必要があるのです
ハイドン自身の本来持つ魅力といったものが何であるのかわたしにはわかりませんが、彼の音楽にふさわしいのは多分、彼の謙虚で温厚でお茶目な人柄がにじみ出て来るような、一枚の飾り気のない肖像画のような演奏でしょう
それがどのようなものであれ、一見無味無臭であるかのように見えるハイドンの本当の味を教えてくれる演奏こそが、ハイドンのあるべき演奏であることは言うまでもないのですが、そのような演奏にもし出会えるなら、わたしはハイドンがわからないなどと悩む必要はきっとなくなるのでしょうね
少なくとも、借り物の衣装を着せることでそれを演奏したかのように見せているうちは、そのようなところにたどり着くことは決してないのではないかという気がわたしはいたします
彼の音楽がベートーヴェンのように聞こえているうちは、その演奏が明後日の方向を向いていることだけは間違いないのです
ベートーベン：劇音楽「エグモント」 Op. 84 序曲::オットー・クレンペラー指揮 フィラデルフィア管弦楽団 1962年10月27日録音
- 2021-09-03：toshi
- クレンペラーのエグモント序曲というと、映像に残っているリハーサル風景が印象的でした。弦楽器のボウイングにケチをつけていたのですが、弦楽器奏者から見ると、とんでもないボウイングだったので、思わず笑ってしまいました。
オケの団員の戸惑い方は尋常ではありませんでしたが・・・
ラヴェル：ボレロ::コンスタンティン・シルヴェストリ指揮 パリ音楽院管弦楽団 1958年2月21日録音
- 2021-09-02：Griddlebone
- 古い時代のパリ・コンセルヴァトワールオケの演奏を楽しく聞かせていただきました。特にバスーン、金管楽器、サクソフォンのこういう音は絶滅してしまいましたね。
ユングさんの見解とは正反対ですが、個人的にはボレロはこうでなくちゃ、と思います。
私はサクソフォン吹きなので、テナー、ソプラノサクソフォンのソロは奏者の名を想像しながら感銘をもって聞かせていただきました。
トロンボーンソロも素晴らしい、最後のほうののトランペットの響きもブラボーです。
オケの人はかなり楽しんで演奏しているように聞こえましたが…
シルヴェルトリはどちらかというと好まない指揮者の部類ですが、これはよかったです。
アップありがとうございます！
アルベニス:イベリア、12の新しい印象 第1集::(P)アリシア・デ・ラローチャ:1962年初出
- 2021-08-31：コタロー
- 最近、スペイン音楽を頻繁に取り上げていただき、感謝しております。
アルベニス（1860-1909）はグラナドスとは対照的に、早熟なピアニストとしてデビューしています。「イベリア」は、作曲家としての彼の代表的な作品です。
デ・ラローチャの演奏は、さすがにお国ものの強みを発揮しています。第２集以降も期待しましょう。
ヘンデル：合奏協奏曲, Op.6 第1番ト長調, HWV 319::アレクサンダー・シュナイダー指揮 アレクサンダー・シュナイダー室内管弦楽団 1966年1月録音
- 2021-08-29：joshua
- アレクサンダー・シュナイダーと言えば、情熱の人であり、音にも、長生きであったことにもそれは現れているように思います。カザルスを呼び戻したエピソードは有名ですが、音楽の歩みを共にした、ミェチスワフ・ホルショフスキを思い出しましたよ。101歳まで、まさに、細く長く味わい深く行きたい、このピアニストが、yungさんのサイトに載ったら更に嬉しいです。
ショパン:舟歌 嬰ヘ長調, Op.60::(P)アンドレ・チャイコフスキー:1959年3月10日~12日録音
- 2021-08-28：エラム
- 失礼ながらこのピアニストは今まで存じませんでした。
聞いてみてビックリ！
歌う！歌う！！歌う！！！・・・・・・鼻歌を。
奏者名を告げられずに演奏だけ聞けばグールドだと勘違いしたかもしれません。それは演奏自体は見事であるという証明でもあります。
当のグールドは例外的にしかショパンを弾きませんでしたが。
グールド同様、録音スタッフはマイクの設置に苦労したことでしょう。
シベリウス:交響曲第5番 変ホ長調 作品82::サー・ジョン・バルビローリ指揮 ハレ管弦楽団 1966年7月26日~27日録音
- 2021-08-28：コタロー
- この交響曲は、シベリウスの作品の中では、「実りの秋」を想わせるような滋味を感じさせてくれます。
バルビローリの演奏は、シベリウスの心情を大らかに歌い上げていて立派なものです。それにしては、レイティングが低いのが実に意外です。もしかしたら現代の聴き手は、もっと精緻なシベリウスを求めているのかもしれません。それでバルビローリのシベリウスの評価が貶められているのだとすれば、まことに残念なことだと思います。
ベルリオーズ：幻想交響曲 作品14::アタウルフォ・アルヘンタ指揮 パリ音楽院管弦楽団 1957年11月11日~13日録音
- 2021-08-25：コタロー
- こんなにあくのない「幻想交響曲」は珍しいでしょう。それでいて音楽の基本はきっちりと押さえています。パリ音楽院管弦楽団を起用したことも成功の一因でしょう。とにかく「幻想交響曲」はおどろおどろしくていやだという人にはぴったりの演奏だと思います。
余談ですが、第４楽章の前半部分を繰り返しているのはレアケースですね（私が聴いた限りでは、コリン・デイヴィスの70年代の演奏くらいです)。
それにしても、アルヘンタの早逝はほんとうに惜しまれますね。
ベルリオーズ：幻想交響曲 作品14::アタウルフォ・アルヘンタ指揮 パリ音楽院管弦楽団 1957年11月11日~13日録音
- 2021-08-24：masao sugimoto
- 殆ど無視されているマイナー演奏家にも解説を加えられて本当にありがたく思っております。とくに印象に残っているのは、アニー・フイッシャーについての評論でした。いつまでも続けて欲しいです。
チャイコフスキー：眠れる森の美女 Op.66::アンセルメ指揮 スイス・ロマンド管弦楽団 １９５９年４月録音
- 2021-08-23：コタロー
- アンセルメのチャイコフスキー三大バレエ音楽、「白鳥の湖」では酷評してしまいましたが、「眠れる森の美女」は見事な出来栄えです。やもり様のコメント同様、２時間あまりの音楽を一気に聴き通してしまいました。
第１幕では序奏に引き続いて行進曲に入っていきます。37分あたりで有名な「ワルツ」が登場します。よく耳にする音楽が出てくると何かうれしい気分になりますね。その後、「ばらのアダージョ」が登場します。第１幕の最後には序奏が回想されますが、組曲版では「序奏」と称して、この部分が用いられることが多いようですね。
第２幕では23分あたりに「パノラマ」が登場します。
第３幕は「マズルカ」「長靴をはいた猫」「終幕のワルツとアポテオーズ」など、聴きどころ満載です。
アンセルメの演奏は華麗さを強調したものではありませんが、実に聴かせ上手です。組曲版では聴けない様々な音楽に触れられるのが魅力ですね。
ベートーベン：ピアノ･ソナタ第23番｢熱情｣ ヘ短調 Op.57::(P)フリードリヒ・グルダ 1953年11月20日録音
- 2021-08-22：アドラー
- グルダによるベートーヴェンの初期のソナタをアップしてくださった時から、中期から後期のソナタにグルダがどう向き合うのか関心がありました。
これまでここに上げてくださったグルダのベートーヴェンは概して伝統的なベートーヴェンピアニストよりも新鮮な緊張感がある（曲によって新鮮味は様々ですが）感じがしていました。
「熱情」については、自分が古い演奏に慣れ過ぎているためかもしれませんが、Blue Sky Labelに上げられているバックハウスやケンプ、アラウらの演奏をグルダと比較して何度も聴いて、その古い演奏家の方が自分としては好きだと思いました。
アラウなどは特に感じたのですが、巨大なエネルギーの曲を前にして潰れそうになりながら、それでも前に進もうとする演奏家としての真摯なエネルギーみたいなものを感じたし、バックハウスの1958年の演奏などは、潰れそうになりそうなのを決して出さずに前に向かう意欲がすごいと感じました。
ただし、聞く側も疲れそうになるので、何度も聴けないと思いました。
その点、グルダは若いからでしょうけど、手もよく動くしエネルギーも十分ですが、前に進もうとするその古い演奏家たちの、車でいうトルクというか、意志の力をいま一つ、私の耳では聞けませんでした。それが、「こんな演奏もあるんだ」という新鮮さでもありました。ここ数日間、色々聞き比べて面白い音楽体験でした。いつも有難うございます。
チャイコフスキー：白鳥の湖（短縮版） Op.20::アンセルメ指揮 スイス・ロマンド管弦楽団 １９５８年１１月録音
- 2021-08-21：コタロー
- アンセルメのチャイコフスキーの３大バレエ音楽において、「眠れる森の美女」「くるみ割り人形」ではほぼ全曲が演奏されているように思われます。
ところが、なぜか「白鳥の湖」だけは「短縮版」を使用しているのが惜しまれます。
特に「第４幕」のチャイコフスキーならではの哀愁をたたえた「小さな白鳥たちの踊り」がカットされているのは、ほんとうに残念です（モントゥーやオーマンディのハイライト版にはちゃんと入っていますよ）。
ブラームス:悲劇的序曲作品81::ジョージ・セル指揮 クリーヴランド管弦楽団 1966年10月28日録音
- 2021-08-20：joshua
- 始まって３分目のところ、静謐な中、ホルンがC⇒G,C⇒ｵｸﾀｰﾌﾞC 2回の上昇音型を聞かせます。Myron Bloomが吹いてるんでしょう。実にいい。かれこれ十数年前に、芦屋のオケで、在りし日のI氏が吹いた同曲同ソロが余りに素晴らしく、彷彿としました。
ファリャ:スペインの庭の夜::(P)クララ・ハスキル:イーゴリ・マルケヴィッチ指揮 コンセール・ラムルー管弦楽団 1960年10月録音
- 2021-08-19：コタロー
- 一言でスペイン音楽といっても、ロマンティックなグラナドスと比べると、ファリャの音楽は明らかに２０世紀の響きがしますね。
この演奏はクララ・ハスキル最晩年のもので、以前から定評がある名演です。叙情的なハスキルのピアノと精緻なマルケヴィッチの指揮が見事にマッチしています。
これは永遠に遺しておきたい演奏ですね。
グラナドス:スペイン舞曲集(第4集)::(P)アリシア・デ・ラローチャ:1964年初出
- 2021-08-17：コタロー
- ありがたいことに、デ・ラローチャの華麗な演奏でグラナドスの世界を満喫することができました。それにしても、スペインの音楽はオンリーワンの魅力が感じられますよね。
実をいうと、私のこの曲のファースト・コンタクトはゴンサロ・ソリアーノというピアニストのものでした。デ・ラローチャの演奏が明快で透明感あふれるものだとすれば、ソリアーノの演奏はもっと控えめかつ陰影に富んだ演奏で、それが深く印象に残っているのです。
そこで、何か機会があったらソリアーノの演奏を聴いてみたいと思うのです。というのは、贅沢を言うと、デ・ラローチャの演奏はなにか達者すぎるんですよね・・・。
シューマン：交響曲第４番 ニ短調 Op.120::カラヤン指揮 ベルリンフィル １９５７年４月録音
- 2021-08-16：べっくべっく
- 演奏家の都合で楽器の音に強弱がつくのを克服して、どこをとっても均等にみっちりと音がつまった状態でアンサンブルを作り上げれば、今まで誰も聞いたことがないような美しい音をオケから引き出すことができるのではないか。
私は、このカラヤンの考えと徹底ぶりが、後々、西ドイツから「最高のベートーヴェン解釈」と評価された所以だと考えました。ベートーヴェンを含むウィーンの古典派の音楽は、テンポ解釈が音楽の質を左右する面が大きい（この考えは名作オペラブックスのベートーヴェンのフィデリオでの演奏批評を参考にしています）ことから考えると、そう考えるのも一理あるなと思いました。ちなみに、個人的には、「最高の」というのは言い過ぎだと思います。
モーツァルト：交響曲第28番ハ長調K.200(189k)::ジョージ・セル指揮 クリーブランド管弦楽団 1965年10月1日~2日録音
- 2021-08-16：joshua
- セルに因んで、クリーブランド管弦楽団の本拠地、セバランス.ホールがあります。セバランス、severanceつまり、断絶、ひいては解雇の意味があり、セルがオケを鍛える段階で多くのメンバー交代、つまり解雇を行なった故の、辛辣な命名かと、勝手に思っていたのですが、意外というか、あにはからずや、ホール建設者が、ミスター、セバランスさんだったのです。断絶、がファミリーネームになるんですね。さりとて、この単語の意味を知らないネイティブは皆無ですから、楽団員がミストーンをした折には、解雇の2文字が連想され、なんとも言えない気分になってしまったのでは？
モーツァルト：交響曲第28番ハ長調K.200(189k)::ジョージ・セル指揮 クリーブランド管弦楽団 1965年10月1日~2日録音
- 2021-08-15：joshua
- CBSソニーlabelから出ていた、39.28.vn&vla協奏の３曲が入ったCDよく聴きました。もう３５年になるんですよ。有名な両端曲より、28番、それも第１楽章冒頭が誰とも違います。それが理由ではありませんが、気に入ってしまいました。スコア通り、ドソミドの降下音に挟まる休止符が生きているんですね。
ベルリンを振ったベームでもここまで行きません。わたしにはよくわかりませんが、セルはこの休止符を嬉々として振っているように思います。これが大事なんだよ！、とね。同じ事は、エロイカのホルントリオ b-c-d-esの上昇音、４番のピアコン最終楽章の、これまたホルン。とりわけ残響処理が難しいホルンでこんなのさせるのは、奏者の腕前披露ではないでしょうか。あるいは、宇野さん風に言えば、歌舞伎の大見栄を切っている。歌舞伎はなくとも、大見栄のスピリットは西洋にもあるようです。セルもそう思って聴くと、チャイ5も色々聴こえて来ますよう。先月末のクーセヴィツキーのテンポ揺らしも、「堂に行って」ましたね。
ディーリアス:春を告げるかっこうを聞いて::トマス・ビーチャム指揮:ロイヤル・フィルハーモニー管弦楽団 1956年10月31日録音
- 2021-08-15：りんごちゃん
- わたしは正直に申しますとディーリアスという作曲家についてはほぼ知りません
それはある意味ヴォーン・ウィリアムス以上でして、もしデュプレがチェロ協奏曲を録音していなければ未だに認識の外にあったことでしょう
そのようなわけですので、この曲につきましてもトマス･タリスの主題による幻想曲同様、通りすがりの者が車窓から眺めた風景としてお話することにいたします
ディーリアスにつきましては先にチェロ協奏曲を聞きますとわかりやすい面があります
チェロ協奏曲ではもちろん主旋律をチェロが担当しておりますので、チェロに着目しさえすればそのメロディーに自然と注目することになるわけですが、曲全体を通してチェロはほぼ休みなく延々と演奏しておりまして、これといった明確なメロディーの切れ目というものがありません
例えて申しますなら、これは句読点のない文章のようなものでして、内容の論理的な流れが感じられないためにそれを追うことが出来ず、ただその提示するイメージ自体を受け取る以外にできることがないのです
またメロディー自体にこれといった特徴がなく旋律の魅力に乏しい上に、曲全体を通してもこれといった起伏というものはなく、劇的な効果といったものは一切存在していないと言っても差し支えないでしょう
つまり、それまでの多くの音楽でその魅力の源泉となってきた部分に何ら特徴を持たず、そこに聞きどころが全く存在しないので、ほとんどの人にとっては何を聞いているのかわからず、聞き終わっても何も残らないかのような音楽に聞こえてしまうのです
わたしには彼の音楽は漠然としたイメージのグラデーションの変化を味わってもらうように作られているように見えます
例えていいますなら、夕焼け空の色が時がたつにつれて次第に変わっていくかのようなものですが、夕焼け空ですらその変化ははっきりとしており明確な終わりというものがあるにも関わらず、ディーリアスの音楽にはそういった始まりも終わりも感じられずただその時その時の微妙な変化があるだけなのです
わたしがこれを聞いて連想するのはストコフスキーの演奏です
ストコフスキーは非常にのっぺりとしたぬるま湯のような音の心地よい流れが身を包んでくれるように音楽を作っていると以前に申し上げたことがあります
その印象自体がまずディーリアスとかなりよく似ていると申しても差し支えないでしょう
第二ヴァイオリンを第一ヴァイオリンの反対の右端に置く伝統的なステレオ配置に代えて、第二ヴァイオリンを第一ヴァイオリンの横に並べておく配置を考えたのはストコフスキーらしいですね
ステレオ配置ではもちろん第一ヴァイオリンと第二ヴァイオリンがそれぞれ別のことをやっていることが勝手に耳に入るわけでして、どのパートが何をしているかということに非常に注目しやすく、細部に目が届きやすい配置となっております
それに対しストコフスキーの配置では、第一ヴァイオリンと第二ヴァイオリンは一つの塊となっておりますので、作曲者が意図したステレオ効果の類は意図的に潰されます
この配置では、第一ヴァイオリンからチェロコントラバスまでの各パートは、独立したパートと言うよりは弦全体が一つのイメージとして扱われ、そのグラデーションを形成する役割を担うことになるのです
この配置によって達成されるのは、各パートへの注目を潰すことによって全体を一つのイメージとしてそれに浸ることへと誘導することなのです
ディーリアスの音楽にもそれと大変似たようなところが感じられるのです
メロディーは明確な個性を持たず、それに注目することも、歌う旋律の魅力といったものを堪能することもほぼ出来ません
「春を告げるかっこうを聞いて」はとりあえず標題音楽なのでしょうが、かっこうの鳴き声のように聞こえる音もあるにはありますが、全体としてみますと特定の何かを描写するというわけではないようです
音楽自体に起伏というものがないので、その盛り上がりを堪能することも出来なければそれが落ち着くことによって一つのシーンが終わるということもありません
全体としてイメージの個々の部分を判別できない靄のような漠然としたものがただ流れていくだけであるように見えます
もちろんそれこそがディーリアスの狙いなのでして、彼はとりあえずこれまでの音楽が提示してきた聞き所と同じところにその音楽の聞き所を置こうとはしていないようです
わたしたちはアプリオリに音楽を楽しんでいるわけではなく、様々な音楽を聞きその魅力を知ることによって経験を重ねて音楽がわかるようになるものなのですから、すでに何度も経験した既知の魅力を与えてくれない種類の音楽はわからなくて当然なのです
音というものは純粋な一つのイメージですが、その旋律の魅力ですとか劇的な効果あるいは音の迫力などといったものを経験しそこに楽しみを見出すのが通例です
ディーリアスの音楽はそういった伝統的に使われてきた音楽の魅力をあえて捨てることによって、イメージそのものだけに注目しそれにただ浸ることを求めているかのようです
そのあり方はまるでストコフスキーの作る音楽とそっくりであるようにわたしには思えます
ディーリアスをよく知るとある人物は、「ディーリアスの音楽は後になれば良さがわかるというものではない。ある人は初めて聴いた時から気に入るだろうし、またある人には最初から最後まで受け付けられないものだ。」と語っているようです
ディーリアスの音楽は、従来の音楽が様々な形で与えてくれた魅力や楽しみといったものを与えてくれる音楽ではありませんので、それを求めている間はおそらくその独自の魅力に気づくはずはありません
その意味では、後にならなければ良さがわからない面もきっとあるでしょう
その一方で、彼がこれに浸ってくれと言って提示するイメージに惹かれるかどうかはやはり人を選ぶところがかなりあるのでしょうね
彼の音楽は、既存の音楽の楽しみを何も求めずにただ浸るところから始めざるを得ず、その何も起きないかのような音楽にとりあえずお付き合いしなくてはならないところがあります
そういえばシュティフターという小説家の書く物語にもそういったところはあります
なんの起伏もなく何も起きない物語を読み終えたとき、心躍るような体験は一切しなかったにもかかわらず、なんとも言えない不思議な感慨を覚えたりもいたします
そういったものを見出すことができるような聞き手だけが、もしかしたらディーリアスを手に取ることができるのかもしれませんね
メンデルスゾーン:交響曲第1番 ハ短調, Op.11::デヴィッド ジョセフォヴィッツ指揮 パリ・オペラ座管弦楽団 1961年録音
- 2021-08-12：コタロー
- これは掘り出し物の演奏ですね。メンデルスゾーンの交響曲第１番はめったに演奏されない作品ですが、若書きの魅力が満載なので、これが聴けるだけでありがたいです。
もう一つ驚いたのは、指揮者のデヴィッド・ジョセフォヴィッツ氏があのコンサートホール・ソサエティの創始者だったことです。彼の指揮ぶりは、この演奏を聴く限り立派で引き締まったもので、クラシック音楽への深い造詣を感じさせます。それにしても、あのわがままなフランスのオーケストラをこれだけ統率しているのは驚きを禁じ得ません。彼は他の作品も録音しているのでしょうか。あれば聴いてみたいですね。
メンデルスゾーン：交響曲第4番 イ長調 作品90 「イタリア」::サー・ジョン・バルビローリ指揮 ハレ管弦楽団 1961年4月録音
- 2021-08-10：めしむら
- バルビローリのファンで、可能な限り残された録音を収集しようとしているバルビマニアです。
今回のイタリアの録音（1961年4月13日）は、英バルビローリ協会からのCD、「JSB 1069-70」で発売されていますので、お知らせしました。
サン=サーンス：交響曲第3番ハ短調 Op.78「オルガン付き」::ポール・パレー指揮 (Org)マルセル・デュプレ デトロイト交響楽団 1957年10月12日録音
- 2021-08-07：りんごちゃん
- 今週はわたしは音楽を聴き込むような時間がとれませんでしたので、一つだけ気づいたことを簡単に述べたいと思います
わたしはサン＝サーンスのオルガン付きにつきまして、その曲に対する印象をパレーのところに書き込みましたので、その続きということでこちらに書き込むことにいたします
わたしはこちらに上がっておりますオーマンディの「オーケストラの休日」を続けて聞いておりました
管理人さんも仰っておられるように、このアルバムは「フィラデルフィア・サウンドのショーケース」といってよいものだとわたしも思います
これらの曲を演奏する前に、例えば打楽器が前に出てきてご挨拶をして観客に名刺を渡し、自己紹介代わりにその楽器の魅力が十分に堪能できる曲を演奏してゆくのです
打楽器・金管・木管・弦がそれぞれ自己紹介をしつつ自分たちの響きを紹介することで、全体としてこのアルバムはフィラデルフィアのオーケストラとはこういうものですよというご挨拶になっているわけですね
わたしはこれを聞いておりまして、ふとサン＝サーンスがオルガン付きでしたかったことはこれなのではないかという気がしてまいりました
サン＝サーンスは「この曲には私が注ぎ込める全てを注ぎ込んだ」と述べているらしいですが、「私が注ぎ込める全てを注ぎ込んだ」という言葉は「わたしはここで持てる力を全力で出し切った」＝「この曲はわたしの最高傑作である」という意味ではなく、「わたしはこの曲でオーケストラ音楽として描くことができるあらゆるシーンを描くことを試みた」という意味にとるべきなのではないかと思ったのです
この曲はサン＝サーンスがその時点で描くことができるオーケストラ音楽のあらゆるシーンを含み、オーケストラの持つあらゆる響きの魅力を堪能できるように作られており、それが一つの古典的な交響曲の枠組みの中に凝縮されているというのです
この曲はサン＝サーンスのオーケストラ音楽という一つの世界の博覧会のようなものでして、この曲は一曲でサン＝サーンス全集と言ってもよいような作品なのでしょう
サン＝サーンスはここで「これがわたしだ」あるいは「わたしを見よ」と言っているのです
例えて申しますなら、サン＝サーンスのオルガン付きは一枚の風景画のようなものなのでしょう
風景画と申しましてもそれは一つの風景を単に描いたものではなく、地球上のあらゆる風景を含むかのような、あるいは一枚の絵の中に春夏秋冬が同時に描かれた日本の風景のようなものなのかもしれません
これと対照的な絵と申しますと人物の肖像画のようなものでしょう
一人の人物とその衣装以外は何も描かれていないといってもよいような絵でありながら、その人物の人格あるいは内面から滲み出す魅力が感じられるような絵というものはいくらもあるでしょう
こういったものはそれだけではどちらがよいと申すものではございませんで、その描こうとするものを注意してみればよいのです
この観点から申しますと、ここに上がっている6つの演奏で満足の行く録音と言えるものは一つしかないかもしれません
この曲の頂点といえるのはやはりオルガンのじゃーんで始まる第四楽章だと思うのですが、この楽章はオルガンが最も目立つ楽章であるにも関わらずその主役はオルガンではなく金管なのでして、この楽章はたぶんオーケストラというものが作り出すことができる限りの様々な輝かしいシーンを実現することを狙っているのでしょう
そしてこの楽章で金管が耳が痛いほどに十分にその音を鳴らしきっている演奏といえるのはミュンシュだけです
ミュンシュの良いところは先にも述べましたがその輝かしい響きが完全にコントロールされているところでして、古典的な調和の枠組みの中で輝かしい響きを極限まで引き出すことを試みたサン＝サーンスのあり方に大変ふさわしい演奏になっているのです
パレーは音空間の隅々まで行き届いた塗りの調和をもっとも重視しているためか、音量的に迫力のあるシーンでもその楽器を十分に鳴らしきるということをほとんどいたしませんので、その響きの輝かしさを堪能させるといったことは後回しにされているのです
そもそもこのような残響の足りない音でその響きの輝かしさを堪能させようなどと考えているとは思えませんが
ただこの録音は品質がずば抜けて優れておりますので、その音色が極めて生々しく聞き取れるため、その響きの魅力を堪能するという点で他より明らかに勝ったところがあるのは間違いないでしょう
オーマンディは耳あたりの良い響きに徹しておりますので、金管を鳴らし切るなどということは当然いたしません
録音という点でも他の2つに比べますとややこもった音で鮮明さに劣るように感じられますので、響きの輝かしさを堪能するという意味では明らかに後手に回っております
これら以外の録音は残念ながら録音の品質に不足がありまして、金管の輝かしい響きを十分に堪能するなどということは少々難しいでしょう
サン＝サーンスの楽譜に書かれているものを忠実に再現するという意味で問題がなかったとしても、この作品をサン＝サーンスがオーケストラのあらゆるシーンを凝縮したものとして作ることを意図していたとするなら、金管を主役としその輝かしい響きを実現することを意図して作ったに決まっております第四楽章で金管を十分に鳴らしきらないというのは、それだけで作曲者の意図を汲み取っていないと言わざるを得ないのです
もしこの曲がサン＝サーンスの博覧会であり、彼が考える荘厳あるいは壮麗な輝かしい音楽といったものを形にしたのがこの第四楽章なのでしたら、ここで大切なのはその響きの輝かしさを十分に堪能できることの方なのでして、細部が聞き取れるかどうかはどちらかというとどうでもよいはずなのです
このように書いてはみましたものの、わたしの中でミュンシュが絶対的な一番手に躍り出て、パレーは二番手以下に転落したというわけでもないのですけどね
実際のところ、作曲者の意図などというものは直接書かれているわけではございませんし、テキストというものは書かれた瞬間から独り歩きするものなのですからそれをどのように読むかはその人次第であり、その魅力が伝わるのでしたらそれは良い読み方であるといえるのでして、これだけで他の演奏が悪いということにはならないのです
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