クラシック音楽へのおさそい~Blue Sky Label~
モーツァルト:交響曲第38番ニ長調 K.504「プラハ」
カレル・アンチェル指揮 ドレスデン国立歌劇場管弦楽団 1959年6月録音
Mozart:Symphony No.38 in D major, K.504 "Prague" [1.Adagio, Allegro]
Mozart:Symphony No.38 in D major, K.504 "Prague" [2.Andante]
Mozart:Symphony No.38 in D major, K.504 "Prague" [3.Presto]
複雑さの極みに成立している音楽
前作のリンツが単純さのなかの清明さが特徴だとすれば､このプラハはそれとは全く正反対の性格を持っています｡
冒頭部分はともに長大な序奏ではじまるところは同じですが､こちらの序奏部はまるで｢ドン･ジョバンニ｣を連想させるような緊張感に満ちています｡そして､その様な暗い緊張感を突き抜けてアレグロの主部がはじまる部分はリンツと相似形ですが､その対照はより見事であり次元の違いを感じさせます｡そして､それに続くしなやかな歌に満ちたメロディが胸を打ち､それに続いていくつもの声部が複雑に絡み合いながら展開されていく様はジュピタｰのフィナｰレを思わせるものがあります｡
つまり､こちらは複雑さの極みに成り立っている作品でありながら､モｰツァルトの天才がその様な複雑さを聞き手に全く感じさせないと言う希有の作品だと言うことです｡
第2楽章の素晴らしい歌に満ちた音楽も､最終楽章の胸のすくような音楽も､じっくりと聴いてみると全てこの上もない複雑さの上に成り立っていながら､全くその様な複雑さを感じさせません｡プラハでの初演で聴衆が熱狂的にこの作品を受け入れたというのは宜なるかなです｡
伝えられた話では､熱狂的な拍手の中から｢フィガロから何か一曲を!｣の声が挙がったそうです｡それにこたえてモｰツァルトはピアノに向かい｢もう飛ぶまいぞ､この蝶々｣を即興で12の変奏曲に仕立てて見せたそうです｡もちろん､音楽はその場限りのものとして消えてしまって楽譜は残っていません｡チェリが聞けば泣いて喜びそうなエピソｰドです｡
一切の夾雑物を排除し、憤りと苛立ちを抱え込んだモーツァルトの姿に焦点を合わせた音楽
アンチェルに関しては「絶望を乗りこえた音楽家」だと書いた事がありました。
いささか長くなるのですが、要点をもう一度引用させてください。
アンチェルと言えば、いつも語られるのはナチス支配下で拘束されてアウシュビッツ収容所におくられ、そこで生まれたばかりの幼子も含めて家族全員が虐殺されたという事実です。そして、アンチェル自身はその音楽的才能によって「利用価値」があるとされて生き延びることが出来たのです。
アンチェル自身はこの事実についてほとんど語ることはなかったので、ここから述べることは私の想像にしか過ぎません。
人はこのような絶望的な状況に向き合ったときに取り得る道は三つしかないように思います。
一つは泣く、二つめは恨む、そして三つめが闘うです。
ローマの哲人セネカが語ったように、泣いて問題が解決するならば死ぬまで泣き続ければいいでしょうし、何かを恨んで問題が解決するならば死ぬまで恨み続ければいいでしょう。しかし、そんな事をしても何の解決にもならないことが明らかである以上は、立ち上がって闘い続けるしかないのです。
もちろん、泣くことも恨むことも必要な時期はあるでしょうが、いつかは泣きやみ、そして恨みを飲み込んで新しい一歩を踏み出さなければいけないのです。
そして、その一歩がアンチェルにとっては「音楽」だったはずです。
アンチェルにとってモーツァルトというのは珍しいレパートリーですし、オーケストラがドレスデンのオケというのもかなり珍しい組み合わせです。もしかしたら、この「リンツ」と「プラハ」はアンチェルとドレスデンのオケによる唯一の録音かもしれません。
ただし、ドレスデンのオケにしてみればモーツァルトこそは「我らの音楽」と思えるほどの誇りを持っていましたから、アンチェルという「初めての指揮者」を招いたときにはモーツァルトで勝負をしたかったのでしょう。
しかし、出来上がった音楽はいわゆる「伝統的なモーツァルト」とは随分と異なったものになっています。
人によってはこれを「古色蒼然たるモーツァルト」と書いている人もいるのですが、何処をどう聞けばこれが「古色蒼然」と感じられるのか首をひねらざるを得ません。
ただし、「録音」というのはそれを再生するシステムによって聞こえてくる音楽の姿は全く違ってしまいますので、もしかしたらその様に聞こえるシステムがあるのかもしれません。（そう言えば、何を聞いても「古色蒼然」たる雰囲気で聞こえるシステムを聞かせてもらったことがありました）
普通に聞けばこの演奏のスタイルはトスカニーニを源流とするザッハリヒカイトな演奏であり、50年代ならばカラヤンとフィルハーモニア管の音楽を思い出させるものがあります。そして、ドレスデンのオケもアンチェルの指示に対してキビキビと反応しているので、音質的にも、そして音楽のスタイルにおいても「古色蒼然」たる音楽とは随分遠いところに位置する音楽です。
それにしても、アウシュビッツの収容所でこの世の地獄を見た人の音楽と、元ナチス党員の音楽が外形的には似たような姿をとるというのは皮肉としか言いようがありません。
しかし、もう一歩踏み込んで聞いてみれば、この演奏にはカラヤンの演奏にはない「切迫感」のようなものが全体を貫いていることに気づくはずです。直線的にスッキリとした造形を指向しているのは外形的には共通しているのですが、アンチェルの場合はそれが手段として用いられているのではなくて、結果としてそうなってしまっただけではないかと思われるのです。
おそらく、アンチェルが指向したのはこのモーツァルトの作品に内包されている「真実」にたどり着く事だったはずです。「真実」などと言うのは実に曖昧で便利な言葉なので別の言葉に置き換えるならば、この作品に塗り込められているモーツァルトその人の姿に迫ることだったと言った方がいいかもしれません。
ですから、私はこの演奏を聞けば、そこに有り余るほどの才能を自覚しながら、その才能に見合うだけの活躍の場も与えられず評価もされない事への言いようのないモーツァルトの憤りと苛立ちのようなものが感じられてくるのです。そして、アンチェルはその様なモーツァルトの姿に焦点を合わせて徹底的に音楽を純化し、一切の夾雑物を排除していくのです。
モーツァルトの交響曲というのは何処まで行ってもオペラ的な要素を色濃く含んでいます。ですから、本線から外れたような部分に美しい場面があらわれれば、それを一つずつ丁寧に取り上げてみせるようなワルター的な手法が伝統的なモーツァルト演奏のスタイルだったわけです。
しかしながら、そうやって道草を食っていれば全体の見通しが悪くなって散漫な印象を与えるのも事実でしたから、一直線で進んだ方がいいという考え方も表れてきたのです。
そして、アンチェルのアプローチは一見すると後者のスタイルのように見えながら、その背景に青白い炎に彩られた「冷たくも厳しいドラマ」のようなものが感じ取れるのです。
それ故に、ただのザッハリヒカイトな演奏という決まり文句では括れない「何か」があることは否定しようがないのです。
よせられたコメント
2019-01-01：koinu
- 本当に素晴らしい演奏でした。この曲の持つ陰影を的確な造形の中で見事に描いていました。
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